Sandeep Narayani intervjuu: 'Ma tahan, et mu kontsert oleks võimalikult ehtne ja võimalikult tõeline'

Carnatic klassikaline vokalist Sandeep Narayan usub kaasaegsetesse väärtustesse isegi siis, kui harjutab seda, mida peetakse konservatiivseks kunstiks. Huvitav oleks teada, kes oli staarmuusik, kes teda koolitas ja tema vaateid kunstis ja elus kujundas? Lugege seda põnevat vestlust.

Carnatic klassikaline vokalist Sandeep Narayan esineb kontserdil. (Ekspressfoto: Ramanathan Iyer)

Lapse võtmine kujunemisaastatel USA -s koolist välja ja Chennaisse karnatilist muusikat õppima saatmine oli 1990ndatel üsna ebatavaline idee. Keegi polnud seda varem teinud, kuid Los Angelese naraylased olid Carnaticu muusika austajad nii, et arvasid, et nende andekas poeg ei tohi ilma jätta eelisest, mida temaealised lapsed Chennais nautisid.

Nende poeg oli kõigest 11 -aastane ja kaldus loomulikult muusika poole, sest ta kuulis kodus juba varasest lapsepõlvest peale karnatilist muusikat. Ta oli karnatilist muusikat õppinud juba nelja-aastaselt oma emalt Shubha Narayanilt, kellel endal oli tuntud muusikaline sugupuu. Aga kuna noor poiss muutus liiga mänguliseks, arvasid tema vanemad, et ta peaks ametlikult õppima teiselt gurult. Nad küsisid Chennai päritolu flöödimaestro N Ramanilt, kes õpetas Sandeepi vanemat venda flööti, kas ta saaks aidata. Ramani soovitas pärast pikka mõtlemist poisil Indiasse tulla ja õppida muusikateadlaselt Kalkutta KS Krishnamurthilt, kes on kõrgelt hinnatud kõrgemate interpreetide õpetaja.

Krishnamurti jaoks oli taotlus pisut ebatavaline, sest ta ei olnud õpetanud ühtegi NRI -d, rääkimata lapsest, välja arvatud tõenäoliselt need, kes olid pärit perekondadest, kes olid jäädavalt Indiasse kolinud. Ta proovis seda Ramani tõttu, avaldas muljet poisi varajastest treeningutest ja taiplikkusest ning lubas tal tema käe all õppida.

Poiss jäi koos emaga Indiasse umbes 18 kuuks ja läbis Krishnamurti käe all üsna range koolituse, mis oli täis tunde, kontserte ja järeleandmatuid harjutusi. Kui ta USA -sse tagasi läks, oli tal kindel vundament, palju tugevam afiinsus klassikalise muusika vastu ja sügav soov muuta see Carnaticu muusikas suureks. Ta jätkas Krishnamurthi käe all treenimist oma salvestuste ja otseõppustega Chennais suve- ja talvepuhkuste ajal.

Loe | Akkarai Sisters: 'Karnatiline muusika on spontaanne kunst, mitte midagi, mida saab täiuslikult harjutada'

Poisi õnnetuseks suri Krishnamurti kolme aasta pärast ja tal ei olnud ühtegi sarnase kaliibriga õpetajat. Kuid seekord ei pidanud perekond otsima teist gurut, sest poiss, olles juba teismeeas, oli juba uuele gurule pilgu pööranud, kes oli juba omaette täht ja Krishnamurti kõrgem jünger . Poiss, kes elab endiselt USA -s ja teeb iga kahe aasta tagant reise Indiasse, õppis järgmise 15 aasta jooksul oma uuelt gurult ja on nüüd üks vähestest kaasaegsetest Carnatici muusikutest, kes on imbinud stiili, mis on ainulaadne tema enda gurule. Koolitus uue guru juures muutis elu ja poiss kolis 2006. aastal pärast bakalaureuseõppe lõpetamist alaliselt Chennaisse. Nüüd on ta Carnatici muusikute noorema põlvkonna üks tipptähti ja esimene India-Ameerika laps, kes tegi Carnaticu muusikast Indias karjääri.

See on lugu Sandeep Narayanist, lahedast karnatilise muusika tüübist, kes on tuntud stiili poolest, mis on rikas klassitsismi, väljendite ja improvisatsiooni poolest. Ta on esmakordselt laulja Chennai Sabhas, sealhulgas Madrase muusikaakadeemias, ja on ka ihaldatud klassikaline esineja teistes India linnades. Ta on ka üks noorema põlvkonna klassikalistest muusikutest, kes on võimelised viima kunsti uue põlvkonna ja publikuni.

Sandeep, andekas atraktiivse häälega, mis on paindlik ja võimeline hõlpsalt oktaavide vahel liikuma ning mida iseloomustab sügavalt väljendusrikas stiil, on veetlev esineja, kes meelitab ligi muljetavaldavaid klassikalise muusika austajaid kõigist vanuserühmadest nii Chennais kui ka mujal. Ta on klassikalise laulmise kõigis aspektides üsna vilunud ning tema stiil on rikas hästi vormitud gamakate, brigaste ja atraktiivsete muusikaliste helide poolest, mis muudavad karnaatilise muusika atraktiivseks isegi ilmikutele. Tema laulmisele omane laya nii aeglasel kui ka suurel kiirusel annab tema muusikale teatud selguse, tasakaalukuse ja meeldiva kõnnaku. Tema hästi lihvitud klassikalised tehnikad ning teadlik kokkupuude teiste muusika- ja kunstivormidega muudavad tema improvisatsioonid võluvateks ja veenvateks, olgu see siis laululaul, neraval (laulu improvisatsioon hoidub põhikompositsioonist), kalpanaswaras (milles laulja tegeleb) fantaasiarikas esitlus raga nootidest) ja mis kõige tähtsam - Raga Tanam Pallavi (RTP), mis võrdleb Carnaticu laulja tehnilist ja loomingulist mitmekülgsust.

Sandeep on paljude piirkondlike ja riiklike autasude saaja. Ta on olnud muusikaakadeemia parim kontsertesineja ja paljude tiitlite saaja, näiteks eelmisel aastal Sangeet Natak Akadeemia Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar.

kõik erinevad ämblikud

Tema teeb veidi unikaalseks ka asjaolu, et ta pole vanas stiilis konservatiivne Carnaticu laulja. Tõenäoliselt võite teda nimetada kaasaegseks konservatiiviks, mis tähendab, et ta usub kaasaegsetesse väärtustesse isegi siis, kui praktiseerib seda, mida peetakse konservatiivseks kunstiks. Ja temasugused muusikud näitavad, et isegi vananenud kunst, näiteks karnaatiline muusika, võib olla üsna kaasaegne ja tulevikku vaatav.

Huvitav oleks teada, kes oli staarmuusik, kes teda koolitas ja tema vaateid kunstis ja elus kujundas? Lugege seda põnevat vestlust.

Sandeep Narayan sai 2019. aastal Manipuri kubernerilt Najma Heptullahlt SNA Yuva Puraskari.

Alustan algusest. Olite esimese India-Ameerika lapsena teerajaja, kes otsustas Indias karjääri teha Carnaticu muusikaga. Kuidas see juhtus ja mida tunnete tagasi vaadates? Kas pidite palju elustiili kohandama?

Tol ajal ma ilmselt ei teadnud, mida teha ja see oli omamoodi eksperiment, mis lõpuks töötas. Kindlasti teadsin, et tahan olla Carnaticu muusikas ja seda saab teha ainult Chennais. Elustiili kohandamise osas polnud mul probleeme, sest muusika oli tähtsam kui miski muu: muusikat õppima, kontsertidele minema ja lõpuks esinema. Need olid eesmärgid. Tegelikult ei nõustu ma inimestega, kui nad ütlevad, et elatustase on siin madalam, sest see sõltub sellest, mida te otsite ja millised on teie väärtused. Võin väita, et elatustase on siin tegelikult parem. Siin saate palju lihtsamini oma elu õnnelikumaks muuta. Näiteks kui ma tahan tassi chait juua, ei pea ma Starbucksisse sõitma, vaid võin kõndida mõne jala iga tee kadai juurde (poodi)! Mul on siin ka imelisi sõpru. Ausalt öeldes olen ma üsna õnnelik.

Kas India guruga oli lihtne kohaneda muusikasüsteemis, mis tundub tänapäevalgi üsna konservatiivne?

Minu esimene guru Chennais, KSK Mama (KS Krishnamurti), ei olnud väga õigeusklik ja saime väga hästi läbi. See oli naljakas, et seal oli see 11-aastane väga tugeva Ameerika aktsendiga laps, kes soovis vanemalt vidwanilt muusikat õppida. Ta oli pisut skeptiline, kuid pärast minu laulmist kuulmist oli ta õnnelik. Pärast meie esimest tundi ütles ta mulle, et hakkab mind kõrgemal tasemel õpetama, sest arvas, et olen võimekam kui minuvanused lapsed. Midagi klappis kindlasti meie vahel.

Sa tulid Indiasse alates 1996. aastast Kalkutta Krishnamurti käe all õppima ja tema lahkumisel läksite teise guru juurde ja õppisite tema käe all kaua, kuni saite üsna iseseisvaks. Kas saate kirjeldada oma evolutsiooni muusikuna Chennais?

KSK Mama julgustas mind üsna varakult manodharmat uurima. Kuni selle ajani olin ma teinud väga vähe improvisatsioonilist muusikat, nagu alapana, neraval, swaras jne. Ta õpetas mulle ka palju uusi ragasid ning andis mu muusikalisele tegevusele teistsuguse suuna ja sügavuse.

1999. aastal, kui ta suri, pidin õppima kelleltki teiselt ja ainus, keda ma silmas pidasin, oli Sanjay Subrahmanyan. Tundsin teda juba enne KSK Mamasse minekut, sest meie pere oli temaga USA kontsertreisi ajal 1995. aastal kohtunud. Isegi lapsena olin ma tema suur fänn ja jälgin teda usuliselt alates 1996–97. Kui ma Chennais olin, käisin tema kontsertidel ja istusin esireas. Ta õppis ka KSK Mama käest koos teiste tuntud artistidega, nagu Sudha Raghunathan ja P Unnikrishnan. Ma olin tõesti staarilöök ja arvasin ka, et on lahe, et ma õppisin samalt gurult, kellelt ka Sanjay Subrahmanyan õppis.

Loe | Publik tuleb muusikat nautima, mitte teie matemaatilist võlurit nägema: Neyveli Venkatesh

Nii et kui mu guru enam polnud, küsisin Sanjayl, kas ta võiks mind õpetada. Ma olin oma valikus täiesti kindel, kuid ta kõhkles veidi, sest arvas pärast KSK Mama käest, kes oli väga eakas ja palju vanem, õppinud, et ma peaksin jätkama kellegi selle põlvkonnaga. Kuid minu jaoks sobis Sanjay ideaalselt. Ma sain temaga nii hästi läbi ja see meeldis ka mu vanematele.

Minu ja Sanjayga oli see lihtne. Varem rääkisime spordist, filmidest, muudest muusikastiilidest jne.

Kas sa ikka õpid temalt?

Varem õppisin temalt regulaarselt kuni umbes 2014-15. Järk-järgult muutusid tunnid harvemaks tänu minu üha suurenevale reisile ja tema niigi tihedale reisigraafikule. Samuti soovis ta, et ma õpiksin ja laieneksin ise. Olen nüüd oma õppimisega iseseisvam, kuid konsulteerin temaga aeg -ajalt kõikide muusikaküsimuste korral. Näiteks kaks aastat tagasi saatsin talle sõnumi, kui saaksin paar laulu õppida ja ta kohustas kohe. Isegi täna, kui mul on muusikas midagi täpsustada, lähen tema juurde.

Nagu teate, leiavad inimesed teie muusikas palju Sanjay mõju, sealhulgas mõningaid žeste, kõlavõtteid, sangati jne.

Jah, ma tean (naerab). Kuid need, kes jälgivad Sanjay ja minu muusikat, on samuti märganud, kuidas ja millal ma Sanjay Siri stiilist lahkusin. Need, kes kuulavad möödaminnes ja teavad, et olen tema õpilane, teevad loomulikult selle seose ja kommenteerivad kõiki tegelikke või tajutavaid sarnasusi.

Teine mõju on ka tema lähenemine kontserdile endale. Tal on teatud professionaalsuse tase ja see on ka minu peale hõõrunud, mille eest olen talle väga tänulik. Ta austab teisi kunstnikke, organisatsioone ja publikut. Ta on mulle öelnud: Ärge kunagi arvake, et publik on loll. Ärge kunagi võtke neid enesestmõistetavaks. See on üks asi, mida mäletan alati ja püüan oma kontsertidel kinni pidada. Tema keskendumisvõime ja tõsidus on aukartustäratav: talle kuulub see saal, kogu ruum, kui ta on kontserdil.

Parem on nimetada vokalisti Sandeep Narayani kaasaegseks konservatiiviks, mis tähendab, et ta usub kaasaegsetesse väärtustesse isegi siis, kui praktiseerib seda, mida peetakse konservatiivseks kunstiks. (Ekspressfoto: Rajappane Raju)

Sanjay stiil on palju seotud uuendustega. Kui uuenduslik olete laval?

Võin minna kontserdile ja mõelda, et kavatsen sel päeval midagi laulda, kuid see ei tööta alati nii. Selle asemel võib juhtuda midagi muud. Vaadake, teie peas on palju muusikat, kui istute sellel kontserdilaval oma pideva kuulamise ja õppimise tõttu - populaarsest klassikaliseni - ja äkki kerkib teie peas midagi esile. Kui selliseid asju juhtub, meeldib mulle seda uurida. See on kindlasti üks asi, mille sain oma gurudelt ja teistelt kunstnikelt. Kui midagi pähe tuleb, uurige seda. Ära ütle ei. Vaadake, mida saate sellega teha meie struktuuri piires, et sellest ei saaks midagi muud. Carnatic kontsert ei ole filmimuusika kontsert ega ka fusioonikontsert, kuid selle raames on siiski võimalus loovuseks. Nii meeldib mulle sellele läheneda.

Olite teada, et oma algusaastatel harjutasite järeleandmatult tunde koos. Nüüd, kui olete kontsertide ja ringreisidega hõivatud, kuidas sellega toime tulla?

Minu hiljutisel USA -tuuril küsisid paljud lapsed minult, kui palju peaks teatud tasemeni jõudmiseks harjutama. Minu vastus sellele oli, et valemit pole. Minu jaoks polnud kunagi valemit. Ja see on kindlasti kvaliteet, mitte kvantiteet. Peate lihtsalt kõvasti tööd tegema ja olema kindel, et ühel päeval asjad klõpsavad. Kui ma elasin USA -s, oli praktika koolis, kolledžis jne palju keerulisem. Kolledžis oli isegi asukoha leidmine probleem, sest jagasin korterit kolme teisega. Aga neil päevil kuulasin selle korvamiseks palju muusikat ja iga kuu koju minnes harjutasin iga päev 2-3 tundi. Kui ma Chennaisse kolisin, ei olnud nii palju probleeme ja sain regulaarselt harjutada vähemalt 2-3 tundi hommikul ja veel 2-3 tundi pärastlõunal või õhtul. Käisin ka peaaegu iga päev kontsertidel, olenemata kunstnikust. Teisisõnu, ma täitsin sel ajal kogu oma aja muusikaga. Suur osa sellest oli kordamine.

Kordamine on see, kuidas teadus töötab. Kordad, sa oled täiuslik, kas pole?

Jah, tänapäeva õpilased peaksid meeles pidama, et nad ei peaks lihtsalt laulu õppima ja siis järgmise juurde liikuma. Üks asi, mis mulle juba varakult pähe puuriti, oli see, et laulu tuleb laulda sada korda. Seda teadsid ja tegid parimad kunstnikud, eriti minevikus. Kuskil keskel ununes see paljude ambitsioonikate muusikutega. Ja tunnistan, et mõnikord olen isegi mina sellise suhtumise ohver: arvan, et olen loo ära õppinud, paar korda laulnud ja nüüd tahan seda esimesel võimalusel kontserdil laulda. See võib sel päeval toimida ja ma võin olla turvaline, kuid kui ma laulan sama laulu ühe kuu, kahe kuu või kuue kuu pärast, oleksid selle päeva versioon ja esimene versioon üksteisest miili kaugusel. Kui laulate esmakordselt laulu, siis seda ainult ette loete, kuid kui seda teatud aja jooksul nii palju harjutate, võib sellest saada teie laul. Sa ei loe enam midagi meelde, vaid see on osa sinust. Ma näen seda isegi täna. Kordamine on üks asi, millest olen aastate jooksul aru saanud, et see on nii tähtis. Laulan varnameid ikka ja jälle. Erinevad kiirused, erineva gamakami uurimisega, erinevad asjad.

Nüüd, kontsertide ja reisiplaanidega, pole ma suutnud nii palju harjutada, kuid proovin varuda vähemalt ühe või kaks tundi päevas. Reisipäevadel on praktika nagu kontserdi kokkuvõte: mida laulda ja mida vältida, sest ma ei tahaks korrata laule ja ragasid, mida oleksin varem samas kohas laulnud. Näiteks seekord Guruvayooris Chembai festivalile minnes mõistsin äkki, et ma pole väga pikka aega laulnud Rasavilasa (Swathi Thirunal laul raga Kamboji). Nii et autosõidu ajal Coimbatore lennujaamast Guruvayoorini kuulasin selle salvestust ja üritasin mälu värskendada. Lõpuks ei laulnud ma seda, sest esitati taotlus teistsuguse loo saamiseks, kuid mul on hea meel, et see on mulle meelde jäänud ja plaanin seda peagi uuesti laulda.

Karnatilised muusikud kasutavad teatavasti oma laulmise täiustamiseks erinevaid häältehnikaid, mõnikord isegi häälspetsialistide abiga. Kas teil on?

Olen aru saanud, et meie muusikas endas on nii palju sisseehitatud harjutusi. Isegi põhilised asjad nagu sarali-varisai ja janta-varisai on harjutused omaette. Kahjuks on need märgitud algajate sammuks varnami õppimiseks ja kui olete selle lõpetanud, liigute swara jathisesse ja geethami ning ei kipu tagasi vaatama. Kuid need asjad on ajatu. Need on nii head harjutused, mis on meile ette nähtud. See asub teie esimestes geethamiraamatutes. Mõnikord laulan neid erinevates raagides ja erineva kiirusega, säilitades samas selguse. See on iseenesest hämmastav hääleharjutus. Sellest on saanud minu jaoks lõbus väljakutse.

Sandeep Narayan esineb kontserdil Chennai Kapali templis 2019.

Isegi Varnamid on nii head harjutused. Kiirus läheb aeglaselt kiireks, viisid on sageli väga madalad kuni väga kõrged ning me teeme selles kõik swarami, sahithyami jne. Niisiis, hääleharjutused tulevad tegelikult meie muusikaga. Peame neid lihtsalt korralikult uurima ja kasutama.

Kuid olen ka koolitatud spetsialistidega arutanud soojendus- ja jahtumisharjutuste tüüpe, mis aitavad teie häält säilitada. Tavaliselt ei arva me, et jahtumine on vajalik, kuid see on nagu iga teine ​​lihas ja mis tahes muu jõusaali treening, ja samamoodi on distsipliin ja harjutamine nõutavad mõlemas.

Tänapäeval on nõudlus mitmekesisuse järele ja seetõttu peab kunstnik oma repertuaari pidevalt laiendama. Kas see avaldab teile survet?

Võib -olla võiks aastakümneid tagasi linnast linna ikka ja jälle üht ja sama laulukomplekti laulda ning neid laule ka lihvida. Täna aga ei saa sotsiaalmeedia ja digitaalsete platvormide tulekuga seda nii palju teha. Kui ma laulan laulu või raga ühes kohas, saavad kõik teistes linnades peaaegu kohe teada. Kui ma seda peagi teises linnas kordan, ütleksid nad, et ma laulan igal pool samu laule, ja kommenteeriksid, et äkki ma ei tea midagi muud! Seega on uute laulude sagedasem laulmine muutunud mõnevõrra hädavajalikuks. Negatiivne külg on see, et kui laulate pidevalt uusi asju, ei saa te süvendada lugusid, mida soovite juhtida. Niisiis, see võib kindlasti olla suur surve. Nagu ma juba varem mainisin, tuleks ideaalis laulu enne avalikku esitlemist mitu korda laulda, mis võib ka häälele pinget anda, kui püütakse pidevalt iga kontserdi repertuaari uuendada.

Abhishek Raghurami intervjuu: „Kunstis pole õiget ja valet. Minu jaoks on see eneseväljendus '

Minu lähenemine on tuua värskust ka vanades lugudes, lisaks laulda uusi. See pole ainult publikule, vaid ka mulle endale. Kui ma laulan täna midagi, mida laulsin 20 aastat tagasi ja kui see kõlab ikka samamoodi, tähendab see muusikuna, et ma pole kasvanud. Ehkki artistid oleksid võinud laulu laulda sagedamini kui täna, olen märganud, et suurimad artistid ei leidnud lihtsalt midagi, mis töötas ja tegi sama asja. Selle asemel arenesid nad enamasti edasi. Näete nende muusikas aastate jooksul sellist muutust ja küpsust.

Kuid varasematel meistritel ei olnud sellist survet oma repertuaari laiendamiseks

Ma ei tea kindlalt, millist survet eelmistel meistritel oli või ei olnud. Kuid ma kahtlustan, et see võib olla tõsi ja seetõttu said nad laulda mõnda oma kaubamärgi lugu, millest said nende hitid, mida me nendega seostame. Ärgem unustagem, et nad tutvustasid uusi laule ja raga. GN Balasubramaniami muusika kaudu tutvustati mulle mõningaid Hindustani ragasid, nagu Durga ja Gavathi. Mõnikord tegid nad raga kuulsaks ja mõnikord raga kuulsaks. Kuid isegi selles lähenemises oli dünaamilisust. Laul võib olla sama, kuid nad tõid selliseid uusi ideid swara laulmisele, neravalile jne. Nagu teate, viitavad inimesed neile lugudele isegi nende salvestuskuupäevade järgi. Kunstnik X laulis unustamatu laulu Y aastal Z. Miks inimesed seda teevad? Sest isegi kui laul või raga on sama, ei ole esitlus seda. Kui tunnete, et pärast nelja kontserti kõlab kunstnik samamoodi, ei pruugi teil tekkida tahtmine teda enam kuulata. Möödunud ja tänapäeva edukad kunstnikud on alati vältinud sellesse lõksu langemist. Nad toovad iga esinemisega midagi muud.

Sandeep Narayan esineb Pennsylvania osariigis Carnegie Melloni ülikoolis 2013. aastal toimunud kontserdil.

Paljusid varasemaid meistreid, keda inimesed praegu ebajumalaks peavad, ei olnud nende ajal piisavalt tunnustatud. Kas jälgite mõnda nende tööd?

Mõned kunstnikud, keda me sageli tunneme, et nende tegeliku pädevuse ja panusega võrreldes on nende ajal alahinnatud. Inimesed räägivad sellest alati MD Ramanathanist. Mulle tundub, et ka Thanjavur S Kalyanaraman oli selline. Ja kuigi Madurai Somasundaramil oli omal ajal päris palju edu, ei paista ta siiski ajalooraamatutesse mingil põhjusel võrdselt mõne omaaegse eakaaslasega. Aastal 2019 tähistasime mitmel pool tema 100. sünniaastapäeva, Somu 100, kuid enne seda ei oleks peaaegu kuulda inimesi, kes viimastel aastatel tema nime ja tema muusikat arutavad. Mulle tundub see üsna veider.

Kas pole imelik, et inimesed räägivad Kaljananaramanist rohkem?

Täna on ta kultuskangelane. Ma arvan, et põhimõtteliselt oli ta oma ajast ees. Tegelikult kuulen SKR -i kohta palju huvitavaid anekdoote tema jüngritelt, pereliikmetelt ja sõpradelt, kes teda isiklikult tundsid. Üks neist on see, kuidas ta uuris palju oma häältehnikaid, et oma võimeid parandada. Nende tehnikate tõttu suutis ta säilitada sruthi ja laya täpsust. Tegelikult öeldi mulle, et ta istus öösel üksi, kui kõik oli vaikne, ja tegi oma hääleharjutusi. Ta oli uurinud ka dwi-madhyama panchama varjya ragasid-midagi sellist, mida keegi polnud tegelikult palju uurinud, ja oli vivadhi ragas ekspert. Inimesed vaatavad tänapäeval tema loomingut suure aukartusega. Või vähemalt mina kindlasti.

Alati, kui minult küsitakse, kes on see inimene, kellega ma oleksin soovinud kohtuda ja kellega koos aega veeta, tuleb ta mulle alati meelde.

Kuna olete pärit teistsugusest sotsiaalkultuurilisest miljööst ja puutute kokku teiste maailma kunstide ja muusika vormidega, kas see mõjutab teie muusikat?

Olen alati kuulanud palju lääne poppi, rokki, R&B -d, hiphoppi jne. Isegi täna kuulan. Minu Spotify esitusloendid on segu USA -st ja Ühendkuningriigist pärit artistidest ning Indiast. Mittekarnaatiliste muusikastiilide kuulamine on minu jaoks sageli vabastus või kergendus. Karnatiline muusika viib mind alati sügavale fookusele ja aju on pidevalt sees. Ainus viis selle väljalülitamiseks või vaheajaks eemaldumiseks on teiste stiilide kuulamine. Aga ma ei tea, kui palju see on mõjutanud minu Carnaticu muusikat. Ma ei usu, et suudan räppi või hiphoppi karneetikasse tuua (naerab)!

Kuid levimuusikas või muudes vormides võivad olla elemendid, mis võiksid teie klassikalist muusikat rikastada või värvi lisada

Ma ütleksin, et vanad filmilaulud kipuvad karnaatilisele muusikale kergemini sobima, eriti kui need põhinevad ragal. Või erinevad rütmimustrid teistest stiilidest. Need ei pruugi olla traditsioonilised, kuid saame neid oma muusikasse palju lihtsamalt sisse viia. Tavaliselt Jazzist natuke, sest paralleele on palju. Ma ei usu, et rokkmuusika sobib Carnaticule liiga palju, ilma fusion žanrisse sisenemata.

Ma leian, et Jazz on lääne või pigem Ameerika vaste Carnatic muusikale. Mõlemad on sarnane improvisatsioonimuusika. Mõtlen sageli, miks inimesed ei proovi Carnaticu muusikas džässitehnikat, sest see muudaks kontserdid värvikamaks isegi ilma klassitsismi või tõsidust kaotamata

Jah, teil on õigus, Jazz on Carnaticule kõige lähemal. Üldtuntud klassika tõttu võrdlevad kõik vaikimisi Lõuna -India või Põhja -India klassikalist muusikat lääne klassikalisega. Aga kui vaadata tehnilisi üksikasju ja kontsertide esitlust, siis jazz sarnaneb rohkem Carnaticu muusikaga. Näiteks kui neil on refrään, on meil rida laulust või pallavi raga-tanam-pallavi keeles. Pallavi on sama, mis võtta refrään nagu Jazzis ja teha improvisatsiooni ikka ja jälle. Tanam on vahepeal sarnane näägutamisega. Võtame lihtsalt paar silpi, millel pole lüürilist tähendust ja mis segavad omavahel meloodiat ja rütmi.

Teine paralleel on vajalike oskuste tase

Isegi koolituse osas on see väga sarnane Carnatic muusikaga. Nende oskused või väljaõpe võivad olla seotud laulmisega, klaverimänguga, saksofoniga või trummidega. See on tehniline koolitus. Ja nad kuulavad palju. Džässiartistid mängivad või kuulavad pidevalt midagi. Kui nad on omandanud tehnilised oskused, tuleb teatud aja möödudes nende loovus sisse, sest nad kuulavad ka palju. Neil on tehniline asjatundlikkus teha kõike, mis neil peas on. See sõnum ajust teie häälele või sõrmedele hoolitseb teie tehniliste oskuste tõttu. Sama asi on ka Carnaticus.

Foto MadRasana Gopala Gokula Music videopildist.

Kuid on kummaline, et džässmuusikud olid pärit viletsast taustast, samas kui Carnaticul on erinev sotsiaal-kultuuriline profiil, mida mõnikord süüdistatakse isegi eksklusiivsuses

Tõenäoliselt on sellel midagi pistmist sellega, kuidas kultuur kogukonnas arenes. Jah, demograafilised andmed on väga kontrastsed, samas kui koolitus, stiil ja ideede esitamise viis on nii sarnased. Nagu paralleelne struktuur. Peaaegu algusest peale.

Kuid kas Carnaticus pole isegi improvisatsioonis mingit regimentatsiooni, sest seda kontrollib vana konservatiivne süsteem?

Ma ütleksin, et isegi Jazzis on endiselt mõned reeglid: neil on rütmiline tsükkel käimas ja kuigi nad ei järgi raga nagu meie, on neil režiim või skaala. Selles režiimis on teatud noote, nootide järjekord ei pruugi olla väga range ja aeg -ajalt toovad nad kontrasti tõttu sisse võõra noodi, kuid lähevad tagasi. Enamasti järgivad nad oma kaalusid, mis sarnaneb meiega. Jah, sul on siiski õigus. Leian, et Carnatici muusikas on inimesi, kes püüavad kehtestada palju reegleid.

Mõnikord kõlab isegi väike ebatäiuslikkus hästi, kas pole?

Ma ei usu õiget ja valet lähenemist. See on pigem hea ja halb. Ja seda saab hinnata kunstniku kogemuste ja küpsuse põhjal. Näiteks on raga jaoks identiteet. Te ei pea kuulama kõiki skaala märkmeid, et teada saada, kas tegemist on Todi või Sankarabharanamiga. Ühe fraasi järgi saate teada, mis raga see on. Kuidas tuvastada raga, isegi kui ma pole kõiki noote laulnud? Ja kust tuleb see õige ja vale? Muusikaesitlus peaks käsitlema esteetikat ja selle loodud seost. Mulle isiklikult ei meeldi selliste reeglite kehtestamine iga pisiasja puhul.

Varasematel lauljatel nagu Madurai Somu ja kaasaegsetel muusikutel, nagu Sanjay Subrahmanyan, on muusikas palju ebatraditsioonilisi elemente, mis muudavad nad žanriks iseenesest. Kas sa pole inspireeritud midagi sarnast tegema?

Mõlemad on minu jaoks kindlasti väga inspireerivad artistid. Kuid ma ei taha teadlikult teha midagi ebatavalist ainult oma žanri pärast. Võib -olla vaatan ühel päeval tagasi ja näen, et tegin ebatraditsioonilisi asju, kuid tahaksin, et see kõik oleks loomulik ja tuleks õigel ajal iseenesest. Võib -olla toob see kaasa teistsuguse žanri, nagu te ütlete. Sageli meeldib mulle lihtsalt midagi kuulata ja selle ilu hinnata, selle asemel, et seda lahata ja otsustada, kas see on tavapärane või on see sisenenud uude ruumi. Uued ruumid tekivad orgaaniliselt, kui ma kasvan ja kui mu muusika küpseb veelgi.

väikesed igihaljad puud Vaikse ookeani loodeosas

Kui tähtis on teie side publikuga?

See on minu jaoks äärmiselt oluline. Kui ma laulan pimedas saalis, palun korraldajatel tuled sisse lülitada, sest ma ei taha musta seina juurde laulda. Ma tahan näha inimesi, nende silmi, nende reaktsioone, kõike. Minu jaoks toitun ma sellest nii palju. Kui ma ei tunne, et nad on minuga või nad ei reageeri positiivselt, muudan kohapeal oma kurssi. See on vestlus. Publik vastab ja suhtleb mulle omal moel tagasi. Kelle jaoks me ilma publikuta laulame? Need on kontserdielamuse lahutamatu osa. Kui mul on väga vastuvõtlik publik, tunnen, et võin laulda kõike. Nendel päevadel tunnen end supermanina. Kui ma ei saa vastust, võin isegi endas kahtlema hakata.

Kas kasutate publikuga ühenduse loomist tehnikana tagasiside saamiseks?

Ma arvan, et paari esimese looga saate leida publiku taskud, mis reageerivad teie tegemistele. Minu silmad ja keskendumine kipuvad nende juurde tagasi pöörduma loomulikult. Ma ei tee seda teadlikult, kuid see juhtub vaistlikult. Mõnikord vaatate instinktiivselt neile sekundit, et nad saaksid ka teie laulda, sest nad on mulle siiani vaikselt tagasisidet andnud.

Kas Chennai publik on reageeriv?

Oh jah, absoluutselt. Peaksite meeles pidama, et Chennais puutub publik kuulama nii palju muusikat, nii et Chennai keskmine rasika on Carnaticu muusikas üsna haritud. On põhjus, miks kõik tulevad siia kogu maailmast. Miks kolisin Los Angelesest Chennaisse? Siin nime tegemine on tõesti väljakutse. Siinne publik on väga tähelepanelik, kuid annab teile ausat tagasisidet.

Sandeep Narayan ütleb, et teatud asjadest, näiteks piiripealsetest trikkidest, võib mõnes kohas pääseda, kuid Chennais tuleb olla ettevaatlik, sest publik on seda kõike näinud. (Ekspressfoto: Rajappane Raju)

Kui helded nad tagasisidet annavad?

Mõnes kohas võite pääseda teatud asjadest, näiteks piiripealsetest trikkidest, kuid Chennais peate olema ettevaatlik, sest publik on seda kõike näinud. Võin öelda, et olen tuuritanud maailmas ja laulnud kõikidele publikutele, kuid Chennai vastab, et mind ei huvita, kuhu olete läinud, peate nüüd minu eest laulma. (naerab)

See alandab mitmel viisil. Chennai publiku positiivse reaktsiooni saamine tähendab palju. Ja nad reageerivad, annavad selle õigel ajal. Kui proovite midagi teha nende tunnustuse saamiseks, näevad nad selle läbi. Aga kui teie ja teie muusika on ehtne, siis nad reageerivad. Võite olla üllatunud, kui nad hindavad midagi, kui te seda ei oodanud. See võib olla tegelikkuse kontroll.

See on Chennai ökosüsteemi ilu, sest see säilitab selle karnaatilise traditsiooni. Kas pole?

Jah. Ökosüsteem ei puuduta ainult kunstnikke, vaid ka publikut. Ilma nendeta ei pruugi me oma muusikat nii kõrgele tõsta. Ütlen alati õpilastel ja kunstnikel, kes elavad väljaspool Chennait, et nad tuleksid siia ja vaataksid, mida teevad nende vanuserühma inimesed või eakaaslased muusikaliselt.

Hea sobivus on edukas Chennais ja mujal, eks?

See on ideaalne tasakaal. Siin lihvite tõesti oma oskusi. Vahepeal õpetab teistes kohtades esinemine, kuidas erinevatele vaatajaskondadele erinevalt esineda. Mõlemad on vajalikud edukaks esinejaks.

Kas improvisatsiooni väljakutse muudab sind laval haavatavaks?

Tunnen, et laval peaks olema veidi haavatav. Mul on kurb meel, kui kunstnik tunneb, et see, mida ta laval esitlema peab, peab olema täiuslik. Hetkel, kui hakkate seda tegema, ei uurita ega laiendata oma muusikalist loovust nii palju kui võimalik. Nüüd olete rohkem mures kommertspaketi pärast. Püüate säilitada oma loodud kaubamärki või nime. Peab olema tasakaal standardi vahel, mille olete loovust uurides kehtestanud. See tähendab, et sa pead publiku ees mingil määral haavatav olema.

Lavale jõudes on teatud osa minust enesekindel ja ütleb: olgu, see on minu mugavustsoon. Aga kui ma kavatsen teha ainult seda, mis on minu teada ohutu ja juba testitud, siis kuidas ma lähen kunstnikuna järgmisele tasemele? Haavatavus, millele ma viitan, on enda avamine publikule ja ütlemine: kuule, ma proovin midagi ja vaatame koos, kuidas see läheb. See on ka osa vestlusest, millest ma varem rääkisin.

Sandeep Narayan esineb 2015. aastal Thiruvananthapuramis Kuthiramaligais toimunud kontserdil.

Ühel meie USA turnee kontserdil proovisin keerulist korvaid, mida olin piisavalt harjutanud, kuid see ei töötanud ainult laval olles. See ei töötanud üks, kaks korda ja kolmandal korral arvasin, et see juhtub, aga ei. Sel hetkel hakkas midagi mu ajus välja lülituma. Kui ma oleksin saanud vaikuse minuti mõtlemiseks ja välja töötamiseks, oleksin sellega hakkama saanud; aga talam toimus, publik vaatas ja polnud aega mõelda. Lõpuks lõpetasin teistsuguse korvaiga. Aga kui mridangaami artist hakkas soolot mängima, mängis ta korvaid õigesti. Liitusin kohe ja laulsin seda koos temaga. Siis kuulutasin publikule, et see on see, mida ma üritan laulda. Ütlesin ka, et kui ma poleks seda saanud, poleks ma saanud sel ööl magada! (naerab)

Need puudused muudavad kontserdid meeldejäävaks, kas pole?

Ma arvan küll, aga ma ei taha, et selliseid asju sageli juhtuks. Kui midagi looduslikult ja orgaaniliselt juhtub, on see hea. Juhtus midagi plaanivälist ja olin läbipaistev. Ma arvan, et see on haavatavus, millest me rääkisime. Ma tahan, et mu kontsert oleks võimalikult ehtne.

Kuidas plaanite kontserti?

Püüan mitte korrata raagasid ja kompositsioone, mida olen selles kohas lähiminevikus laulnud, kuid te ei saa mõnikord vältida kordamist, kui soovite lisada ghana raga, kuna neid on vaid piiratud arv. Ja tavaliselt, kui ma neid kontserdil väldin, küsivad inimesed loomulikult, miks ei olnud Bhairavi, Thodi või Kamboji jne. Ja neil on ka õigus. Tõenäoliselt kordamise vältimiseks laulan teistsugust kompositsiooni või kasutan ühel päeval Pallavis ghana raga ja teisel päeval peamiseks jne.

Teine asi on erinevate heliloojate ja talamite hankimine. Ja ka erinevaid ragasid kontrasti poolest. Peate kuulaja sellele teekonnale kaasa võtma ja seega annate vaheldust.

See sõltub ka sellest, kus ma laulan. Tamil Nadus laulan ma ühte või kahte tamili laulu, Karnatakas ühte või kahte kannada laulu ja Keralas ühte või kahte Swathi Thirunal laulu. Segage tuntud laule ja lisage üks või kaks haruldast. Peame pidevalt tasakaalu hoidma. Nii lähenen kontserdile. Kas ma muudan nimekirja pärast lavale astumist? Jah, kogu aeg. Pärast kohale jõudmist ja publiku nägemist arvan mõnikord, et mu plaan ei tööta hästi ja seetõttu muudan mänguaega!

Kui inimesed tulevad kontserdi ajal teie poole taotlustega, kas nad rikuvad teie asjade skeemi?

Kui saan taotluse enne kätt, on seda lihtsam oma kontserdikavasse lisada. Mõnikord sobivad need taotlused ka teie mõtlemisega. Mõnikord nad seda ei tee, aga mul pole selle vastu midagi. Igal juhul püüan oma parima, et täita enamik kontsertide ajal saadud taotlusi. Lõppude lõpuks on meie ülesanne laulda seda, mida publik tahab.

Mõned lauljad lisavad oma repertuaari uusi kompositsioone, et oma kontserti kaaluda? Näiteks kaasaegse luule lisamiseks kompositsiooniks või Pallaviks.

Ma ilmselt ei tee seda aktiivselt, sest seal on juba nii palju. Võib -olla ma teeksin seda teed teadlikumalt, kui tunnen, et aeg on õige.

Kuidas suhtute ragadesse?

Tavaliselt on tavaliselt kuuldud ragade luustik ja meie ülesanne on see loominguliselt täita. Ghana ragad pakuvad selles osas palju võimalusi. Ja enamikes ragades on alati väljakujunenud sangathis, millele saate tagasi astuda, kui teie valitud uus tee ei tööta. Kui ma neid ragasid laulan, tunnen end kindlalt, et saan rohkem uurida ja katsetada, naastes samal ajal ajas testitud mustrite ja üleminekute juurde.

Siis on raagid, millel puudub raamistik ja mall või puudub üldse, sest neid ei laulda peaaegu kunagi. See on teine ​​äärmus. Siin tuleneb teie vabadus sellest, et eelnevat uurimist on vähe. Kui ma selliseid ragasid laulan, võin proovida teha palju uusi asju, sest kes tuleb ja ütleb mulle, et ma ei laulnud seda õigesti? Puudub ettekujutus sellest, mis on antud juhul õige ja aktsepteeritud.

Sandeep Narayan saab muusikaakadeemias auhinna.

Kuidas käituda harva lauldud ragadega? Kuidas neid piiratud koosseisude ja viidetega arendada?

Ma arvan, et kui mu muusikaline küpsus kasvab, potsatavad mu peas erinevad asjad. Näiteks harva kuuldavas ragas nagu Deepali, välja arvatud mõned sangathid ja skaala, pole palju kindlaks tehtud. Sellistel juhtudel võin haarata noodi ja otsustada, et see on minu maandumispunkt. Tavaliselt ei ütle keegi, et see on vale. Kuid te võtate vanema ja tuntud ragalaadse Devamanohari-ja muudate maandumisnoodi, kõlab see ebamugavalt, sest see on kuulajate meelest juba teatud viisil sisse seatud. Sellistel juhtudel hakkab raga identiteet muutuma millekski muuks.

Kuid mõned neist haruldastest ragadest on hindustani. Kas te ei saa kasutada Hindustani viiteid?

Saate, aga nende gamakas on erinevad. Raga lähenemine on erinev. Võite mingil määral jäljendada Hindustani- öelge, et saate Pantuvarali kõlada nagu Basant või Puriya Dhanashree. Hindustani stiilis lauldes kõlavad samad noodid teisiti.

Kas teete seda mõnikord?

Jah. Mulle meeldib (naerab). See on isiklik eelistus.

See meenutab mulle TN Seshagopalani salvestust Pallavist, kus ta laulab paralleellauseid Carnatic Bhairavi ja Sindhu Bhairavi vahel (mis on nagu Hindustani Bhairavi). Need asjad on minu jaoks tõesti lahedad, kuid peate olema ettevaatlik, et te ei eksiks teiste ragadega tavaliste nootide juurde. See pole lihtne asi.

Olete üsna väljendusrikas laulja. Kuidas emoteerite? Näiteks, kas peate pühendunud laulu toimimiseks isiklikult andumust tundma?

Mitte kõigis, aga mõnes küll. Mitu korda aitab laulu tähendus emotsiooni esile tuua. Mõnikord on emotsioon ragas endas olemas. Mõnikord võib see olla seos lauluga või side heliloojaga. Näiteks teame Gopalakrishna Bharathi laulu varugalaamo tähendust Manji keeles. Ma ei laula seda laulu, mõeldes endast kui sellest, kes igatseb jumalust näha, kuid mul on emotsionaalne mõte heliloojast, kes on nii ilusti kirjutanud ja sellist olukorda kirjeldanud.

Kas on mõni raga, millega tunnete end emotsionaalselt seotud hiljuti?

Viimasel ajal on mul Thodiga mingi side. Minu seos ragudega on igaühe jaoks erinev ja muutub pidevalt. See võib kõlada klišeelikult, kuid olen õppinud, et on põhjus, miks nii paljud artistid lähevad selle raga juurde tagasi ja miks on sellel nii hea maine. See on vaid seitse nooti, ​​kuid seal on midagi nii suurt. Mul on tunne, et lähen Thodi tunnelist alla ja õpin seda lauldes üha rohkem raga kohta ning kui ma arvan, et võin tunnelist väljas olla, siis mõistan, et selle imelise ragaga on veel rohkem tegemist ja ma süvenen sellesse veelgi sügavamale.